Das Werk der interdisziplinären Künstlerin Katherine Hubbard agiert an den Kreuzungspunkten von Fotografie, Performance und Text. Ihre Arbeiten entfalten die Schnittstellen zwischen Verkörperung, Wahrnehmung und historischer Spur, wobei Fotografie nicht als bildgebende Apparatur, sondern als Ort einer Begegnung fungiert. Ihre Performances und Installationen säen Zweifel an der vorgeblichen Neutralität des Sehens, indem sie die Politik des Blicks und die räumlichen Bedingungen, unter denen er stattfindet, in den Vordergrund rücken. Statt die Fotografie als fertiges Objekt zu behandeln, bindet Hubbard sie an die sie hervorbringenden Prozesse – Geste, Belichtung, Positionierung – zurück und lässt diese sich in Echtzeit abspielen. Ihr Einsatz des Körpers, oft ihres eigenen, im Verhältnis zu fotografischer Apparatur und architektonischem Raum lässt die Arbeit und die Subjektivität erkennbar werden, die in Akten des Blickens stecken. Was so entsteht, ist nicht bloß ein Bild, sondern eine choreografierte Aushandlung zwischen Betrachter*in, Sujet und Umgebung.

Ihre Anziehungskraft verdankt Hubbards Praxis dem Beharren auf Langsamkeit und Verortung. Sie widersetzt sich der extraktiven Logik der fotografischen Aufzeichnung; stattdessen wird das Objektiv zu einem relationalen Werkzeug, das Zeit, Nähe und geteilte Verantwortung erfasst. Ihre Performances veranschaulichen nicht die Fotografie, sondern inszenieren ihre epistemologischen und ethischen Verstrickungen. Die von ihr aktivierten Räume, Galerien, Brachen, Landschaften sind nie neutrales Terrain, sondern mit verdichteten Geschichten und Körpererinnerungen befrachtet. So eröffnet Hubbard die Fotografie als durchlässigen Ort, an dem Fragen von Sichtbarkeit, Queerness und räumlicher Orientierung sinnlich erfühlbar werden. Ihr Werk erkundet nicht nur, was wir sehen, sondern auch, wie wir zum Gesehenen stehen – und wie diese Verhältnisse die Bedingungen des Wissens prägen.